El gran hilo de la MUSICA CLASICA y la OPERA

[haddock]

Estoy con este libro, que os recomiendo encarecidamente. Mahlers, Strauss, Satie, Schomberg, Stravinski... una maravilla de ensayo.


Colección: Los Tres Mundos
Genero: Ensayo
800 págs.
PVP: 24,00 euros
ISBN: 978-84-322-0913


Ésta es la historia del siglo XX a través de su música, desde la Viena de antes de la Primera Guerra Mundial hasta el París de los años 20; desde la Alemania de Hitler o la Rusia de Stalin al Nueva York de los años 60. Transportando a los lectores por el laberinto del sonido moderno, Alex Ross nos descubre las conexiones entre los acontecimientos más importantes y los compositores más infl uyentes, hombres que se rebelaron contra el culto al pasado clásico, lucharon contra la indiferencia del gran público y desafi aron a dictadores.

Alex Ross ha fi rmado un libro imprescindible sobre un tiempo fascinante, caótico y estridente. El ruido eterno ha sido galardonado con el National Book Critics Circle Award, el Guardian First Book Award y un Royal Philharmonic Society Award; ha sido finalista del Premio Pulitzer y del Premio Samuel Johnson, y ha sido elegido como uno de los mejores libros del año por The New York Times, The Washington Post, Time, LA Times, The Economist, Slate y Newsweek.

«Un libro que se lee de forma compulsiva», Time Out New York; «Una narración impresionante… El visionario crítico Alex Ross se acerca más que nadie a describir las hechizantes sensaciones que provoca la música», Financial Times; «Un libro de referencia que se convertirá en un clásico de la historia del siglo xx», Kirkus Reviews.

[rourevalencià]

Quin llibre recomaneu de Cormac McCarthy? El de la Carretera quasi l'agafe l'altre dia a l'Fnac però he llegit coses bones d'este;

[haddock]

Quin llibre recomaneu de Cormac McCarthy? El de la Carretera quasi l'agafe l'altre dia a l'Fnac però he llegit coses bones d'este;

Esto debería ir en "Pequeño Rincón Literario", donde puedes leer sobre McCarthy. No obstante "Meridiano de Sangre" es una de las cinco mejores novelas del SIglo XX y mi preferida del autor.

[Patchouli]

Le tengo echado el ojo al libro de Ross desde hace tiempo, caerá. Por cierto, en su blog tiene una sección de fragmentos musicales de obras comentadas en el libro la mar de majo: http://www.therestisnoise.com/audio/

* * * * * * * * * *

Silvestre Revueltas, Sensemayá (Canto para matar una culebra) (1938)
Orq. Fca. de Berlín - Dudamel (2008)

http://www.youtube.com/watch?v=Z5PiYZAKB5o
http://www.youtube.com/watch?v=TYbcq0nSS5E

[Patchouli]

2010 es un año bastante onomástico en la música clásica, con el bicentenario de Schumann y Chopin y el 150 aniversario de Mahler (léase reediciones discográficas a tutiplén). De los compositores centenarios el más importante es claramente Pierre Schaeffer (una figura fundamental en la electroacústica), pero sin duda el más popular es Samuel Barber, gracias más que nada a esta música:

[video][/video] Orq. Sca. de la BBC - Slatkin, en los Proms'01. Una interpretación emblemática por las circunstancias: fue 4 días después del 11-S.

( sobran comentarios :( )

La lástima es que este hombre se ha quedado un poco encasillado como "el compositor del otro Adagio". Aquí os dejo su Concierto para violoncello, que personalmente me encanta.
Wallfisch; Orq. de Cámara Inglesa - G. Simon

http://www.youtube.com/watch?v=FKrjKz9C48M
http://www.youtube.com/watch?v=BkyXoY37gtg
http://www.youtube.com/watch?v=FbDtPIyFRIw
http://www.youtube.com/watch?v=4gnHRAdvC1w

[Patchouli]

Uf, triste noticia de una de las figuras más entrañables de la escena:

Seiji Ozawa cancela conciertos para iniciar tratamiento contra el cáncer



Seiji Ozawa ha anunciado hoy la cancelación de todos sus compromisos hasta junio para someterse a un tratamiento contra el cáncer de esófago que padece, según ha informado la agencia local japonesa Kyodo. El director nipón abandonó su puesto como titular musical de la Staatsoper de Viena a finales del pasado año, cargo que asumió tras estar casi treinta años al frente de la Orquesta Sinfónica de Boston.

“Me encuentro muy bien estos días. No tengo ningún problema para beber y comer”, ha asegurado por lo demás Ozawa durante una rueda de prensa en Tokio. El médico que le acompañaba explicó que el cáncer había sido detectado a tiempo.

A sus 74 años Ozawa es el más importante director de orquesta japonés y una figura muy popular en su país, donde ha creado un festival anual en la ciudad de Matsumoto. El director de orquesta japonés ha pasado gran parte de su vida profesional en Estados Unidos, convirtiéndose en uno de los principales referentes de la música clásica en el mundo y estrenando piezas fundamentales de nuestro tiempo, como la ópera San Francisco de Asís de Messiaen.

Ánimo :!: ¿Es muy grave? Abbado salió adelante de un cáncer de estómago siendo ya bastante mayor, a ver.

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[Patchouli]

icon_palomitas Esta noche retransmiten por La 2 una producción del Liceo de Barcelona hace un par de temporadas de la última ópera de Britten, La muerte en Venecia. Muy recomendable.

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[Gartenzwerg]

Una recomendacion para los que tengais crios. Los sabados a las 12 hacen un programa (para crios) de musica realmente ameno (o eso creo porque mi nano en cuanto oye la musica de la entradilla se queda en plan autista mirando la tele)

Se llama EL CLUB DE PIZZICATO, y resulta muy ameno para introducirlos en la musica, clasica principalmente. Es en TVE

http://www.rtve.es/infantil/series/club-pizzicato/

[Patchouli]

El pianista Kozhukhin gana el 'Reine Elisabeth' de Bélgica

El joven pianista ruso Denis Kozhukhin, estudiante del Instituto Internacional de Música de Cámara de Madrid y ex-alumno de la Escuela Superior de Música Reina Sofía (2000-07), ha ganado en Bruselas el pasado 29 de mayo el Primer Premio del Concurso 'Reine Elisabeth' de Bélgica, un Concurso del máximo nivel mundial dedicado en su edición de 2010 al piano y que abre a este pianista la posibilidad de realizar una importante carrera internacional. El Premio, entregado por Su Majestad la Reina Fabiola, está dotado con 20.000 euros, la organización de una gira de conciertos y la grabación de un CD. Kozhukhin recibió, además, dos Premios del Público: el Klara-Canvasprijs y el PrixMusiq'3.

El Concurso Reina Isabel de Bélgica fue fundado en 1937 y lleva más de medio siglo situado entre los más prestigiosos del mundo. Heredero directo del que fundó en Bruselas Eugéne Ysaye, surgió centrado en el violín (1951) y fue abriéndose posteriormente a las especialidades de piano (1952), composición (1953) y canto (1988). El Concurso 'Reine Elisabeth' está abierto a jóvenes músicos que están terminando su formación y que están en la fase preliminar de sus carreras artísticas.

1º Denis Kozhukin (Rusia)
2º Evgeni Bozhanov (Bulgaria)
3º Hannes Minnaar (Holanda)
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4º Yuri Favorin (Rusia)
5º Tae-Hyung Kim (Corea del Sur)
6º Da-Sol Kim (Corea del Sur)
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Semifinalistas:
· Claire Huangci (EEUU)
· Kyu-Yeon Kim (Corea del Sur)
· Andrejs Osokins (Letonia)
· Jong-Hai Park (Corea del Sur)
· Takashi Sato (Japón)
· Yekwon Sunwoo (Corea del Sur)


Palmarés (concursos de piano):

1938 - Emil Gilels (URSS) alabar2.
1952 - Leon Fleisher (EEUU) alabar2. también, todo un ejemplo de superación
1956 - Vladimir Ashkenazy (URSS)
1960 - Malcolm Frager (EEUU)
1964 - Evgeni Mogilevsky (URSS)
1968 - Ekaterina Novitskaya (URSS)
1972 - Valeri Afanassiev (URSS)
1975 - Makhail Faerman (URSS)
1978 - Abdel Rahman El Bacha (Líbano)
1983 - Pierre-Alain Volondat (Francia)
1987 - Andrei Nikolsky (URSS)
1991 - Frank Braley (Francia)
1995 - Markus Groh (Alemania)
1999 - Vitali Samoshko (Ucrania)
2003 - Severin von Eckardstein (Alemania)
2007 - Anna Vinnitskaya (Rusia)
2010 - Denis Kozhukhin (Rusia)



Dmitri Shostakovich - Sinfonía nº 15 (1972), 1er mov.
- Real Orquesta del Concertgebouw, Amsterdam - Bernard Haitink

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Ojo a la cita de la celebérrima obertura de Guillermo Tell :D

[Patchouli]

Claudio Abbado cancela sus esperados conciertos en la Scala

Claudio Abbado ha cancelado por razones de salud sus tres esperados conciertos este junio en la Scala de Milán, en lo que suponía el retorno a su podio tras 24 años de ausencia. “Se encuentra en Alemania bajo terapia médica”, señala un comunicado del coliseo italiano, añadiendo que el director ha sido hospitalizado tras haber dirigido una serie de conciertos en la Filarmónica de Berlín. Y es que “para estabilizar su estado de salud es necesario que se someta a cuidados intensivos y a nuevos controles”, según la nota, explicando por otra parte vez que se espera que Abbado pueda retomar sus actividades dentro de dos o tres semanas.

De este modo, el maestro milanés tampoco podrá dirigir el concierto de inauguración, el 9 de junio, del Festival de Rávena, donde será reemplazado por el joven director de orquesta venezolano Diego Matheuz, al igual que ocurrió el año pasado en Parma. Abbado, que padeció un cáncer de estómago en el año 2000, ha anulado en varias ocasiones sus conciertos por motivos de salud, entre ellos el año pasado con la Orquesta Mozart de Bolonia en Italia y los programados con la Orquesta del Festival de Lucerna en Nueva York.

Los tres conciertos previstos para los días 3, 4 y 6 de junio constituían uno de los acontecimientos musicales más destacados de la actual temporada de la Scala y habían generado la mayor expectativa tras el prolongado periodo de ausencia de Abbado. El maestro, de 76 años, había solicitado como remuneración la siembra de 90.000 árboles en Milán.

Sería un bonito gesto que los plantaran igualmente...



Sergei Prokofiev - Sinfonía nº 7 (1952), 4º mov.
- Orquesta Sinfónica de la Radio de Moscú - Gennadi Rozhdestvensky

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icon_heart (¡Qué final!)

[Patchouli]

El Palau de Valencia rescata tres Danzas del Corpus de Comes
martes, 1 jun 2010

El Palau de la Música de Valencia recupera los manuscritos originales de las treinta y tres Danzas del Corpus compuestas por Juan Bautista Comes en 1609, que se encontraban en el archivo del Colegio de Corpus Christi, conocido como Iglesia del Patriarca. En total, treinta músicos y cantantes de Capella Saetabis y diez niños del Conservatorio Profesional de Danza de Valencia recordarán la música y los bailes que se interpretaban en la iglesia durante el siglo XVII en un espectáculo a estrenarse en la Sala Iturbi del Palau el próximo viernes 4 de junio (con otra función en la Iglesia del Patriarca el 10 de junio).

Según dijo ayer la presidenta del auditorio valenciano, Mayrén Beneyto, se ha rescatado “un tesoro maravilloso” de la tradición valenciana tras “una investigación seria” que hará al público “volver a aquello que en su momento fue”. En este sentido el director de Capella Saetabis, Rodrigo Madrid, destacó que esta recreación de las Danzas del Corpus supone “la culminación de cinco años de investigaciones a partir de los manuscritos, guardados en el Colegio del Corpus Christi, con la música que se bailaba en la iglesia entre 1609 y 1816. Desde entonces y hasta ahora, no se había vuelto a interpretar”. Lo “más complicado”, con todo, ha sido reconstruir la parte coreográfica, pues las danzas fueron prohibidas por el patriarca San Juan de Ribera a su muerte en 1611. A pesar de ello se siguieron bailando hasta 1816, pero eliminándose cualquier referencia a su ejecución.

Así, “el espectáculo se basa en tratados italianos y españoles del siglo XVII sobre la danza de la época, teniendo en cuenta el lugar para la que fue creada, la iglesia”, según explicó Rodrigo Madrid. Y lo mismo ocurre con el vestuario, diseñado por Victoria Liceras, quien propone una ropa de gala “lo más fiel posible” a la utilizada entonces “en lugares sagrados”, aunque con “ciertas concesiones a la comodidad del siglo XXI”.

El programa del próximo viernes arrancará con el Tiento 5º tono de batalla de Joan Cabanilles, ejemplo de obras del género que citan o imitan toques militares de trompetas y clarines a menudo utilizadas para comenzar las celebraciones sacras. En esta primera parte se incluirán tres Villancicos dedicados al Santísimo Sacramento del compositor más importante del barroco valenciano, Juan Bautista Comes. En la segunda parte se presentarán por vez primera la Danzas del Corpus de Juan Bautista Comes, compuestas en 1609 para la procesión del octavo día de la semana de Corpus del Colegio.

La danza de principios del siglo XVII marca el nacimiento de una escuela hispánica que, en el XVIII, sería conocida como “escuela bolera”, transgresora de toda convención a causa del atrevimiento y complejidad de sus movimientos, a cargo de los más expertos bailarines.

Dmitri Kabalevsky - Concierto para piano nº 2 (1936), 1er mov.
- Kathryn Stott; Orquesta Filarmónica de la BBC, Londres - Vasili Sinaisky

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[Patchouli]

Programación del III Festival del Mediterráneo:

· Salomé - Richard Strauss
10, 16, 19, 22, 25 de Junio
Dirección de escena: Francisco Negrín
Producción: Palau de les Arts Reina Sofia

Camilla Nylund - Salomé
Albert Dohmen - Jokanaan
Siegfried Jerusalem - Herodes


· Carmen - Georges Bizet
18, 21, 24, 27 y 30 de Junio
Dirección de escena: Carlos Saura
Producción: Palau de les Arts Reina Sofia, Maggio Musicale Fiorentino

Elina Garanca / Elena Maximova - Carmen
Marcelo Álvarez - Don José
Paulo Szot - Escamillo
Marina Rebeka - Micaela

Orquesta de la Comunidad Valenciana - Zubin Mehta



Ralph Vaughan Williams - Sinfonía nº 4 (1935), 4º mov.
- Orquesta Philharmonia, Londres - Leonard Slatkin

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[Patchouli]

Todas las orquestas son iguales

~ Tomás Marco

http://www.elmundo.es/elmundo/2010/06/0 ... 84393.html

Aquí y allá se levantan las voces de directores e intérpretes conocidos que lamentan que el sonido de las orquestas de todo el mundo haya acabado siendo prácticamente el mismo. El último en decirlo en voz alta ha sido Vassily Sinaisky, ayer mismo, en Dresde. La idea empieza a ser un lugar común asumido. Y que conste que no es la primera vez que se suscita.

Hasta prácticamente la mitad del siglo XX existía la creencia general de que cada orquesta tenía, independientemente de su calidad, un estilo y un sonido propios. Se estimaba que ello era producto de la escuela particular en la que cada una se insertaba. Eso, para empezar. Después, dentro de cada escuela, cada orquesta desarrollaba su personalidad.

Eran tiempos de menor intercambio y de directores titulares que trabajaban a fondo con una única orquesta. Se podía hablar de un sonido personal de Toscanini o Furtwängler pero también se distinguía entre la manera de concebir las cuerdas por parte de los rusos, de la capacidad de morbidez armónica de Filarmónica de Viena o del incisivo virtuosismo de las orquestas americanas.

Hoy, toda esa variedad ha confluido en un nivel común y general. ¿Qué ha ocurrido para que eso suceda? En primer lugar, se podría hablar de la formación de los músicos, que hoy día es mucho más internacional. Cualquier intérprete acaba pasando por las mismas escuelas que sus colegas del otro lado del mundo.

En realidad, el proceso empezó cuando las escuelas de música se beneficiaron de un aluvión importante de profesores judíos que huyeron de Europa central cuando los nazis amenazaron su simple existencia. También la disgregación de la Unión Soviética arrojó por todo el mundo a numerosos instrumentistas que se integraron en orquestas y escuelas.

Además de esa movilidad, la capacidad de los medios para unificar el mundo ha influido lo suyo. No sólo es que las orquestas viajen mucho más y más rápidamente, que actúen en todo el mundo; es que medios como el disco o la radio y, ahora, internet han propiciado que se las escuche en todas partes, que se aprenda de ellas... y que se acabe por unificar el estilo. Todo el mundo aspira a tener la brillantez de las orquestas americanas que tienden a subir la afinación o a conseguir el sonido vienés de la filarmónica de la capital austriaca. Pero, además, ocurre que se ha cambiado el sistema de trabajo y el perfil del director de orquesta.

Una orquesta es sin duda una agrupación cara. Por ello el número de actuaciones tiende a crecer y el de ensayos a disminuir. Hoy día, las orquestas ensayan poco y en el caso de las británicas, muy poco. Por eso no les es fácil ampliar repertorio ni adaptarse a las diferencias de los directores. El sistema sigue funcionando porque el nivel técnico de los músicos ha subido enormemente y porque los directores se han convertido en máquinas de viajar que se adaptan al sonido de cada orquesta en vez de buscar el suyo. Los viejos titulares de labor continuada han desparecido y los que quedan son también nómadas que dedican sólo unas pocas semanas anuales a sus orquestas de residencia. Se ha homogeneizado la calidad y el sonido de las orquestas pero también se ha construido un modelo de director 'standard', como también se da entre los pianistas y los solistas más relevantes.

Se podría decir que hoy día se toca -orquestas, directores y solistas- con mucha mejor técnica que antes pero con mucha menos personalidad. Sí, el sonido de las orquestas tiende a unificarse, pero también el resto de la vida musical. Todo ello comporta resultados buenos y malos. Y podemos quejarnos legítimamente de muchos hechos. Lo difícil es cambiarlos.



Bohuslav Martinu - Sinfonía nº 5 (1946), 2º mov.
- Orquesta Filarmónica Checa, Praga - Vaclav Neumann

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[Patchouli]

Bicentenario del nacimiento de Robert Schumann, ese gran desconocido

Hoy [por ayer] se celebra el bicentenario del nacimiento de Robert Schumann (1810-1856), ocasión para constatar que, si bien su obra sigue siendo interpretada con asiduidad, la celebración de esta efeméride está pasando ciertamente más desapercibida que la de su contemporáneo Frédéric Chopin. No obstante, el compositor germano será recordado hoy en las tres ciudades alemanas más relacionadas con su trayectoria: Zwickau, la localidad en que nació, Leipzig, donde daría clases de composición, y Dusseldorf, cuya orquesta sinfónica dirigiría, rindiéndole igualmente homenaje los próximos días Viena, Berlín o Lucerna.

Lo cierto es que en gran parte de Europa la conmemoración de este “Año Schumann” está resultando mucho más discreta que el de Chopin, apoyado por comités internacionales en Francia y Polonia, lo que se traduce en una cascada de festivales, exposiciones y ediciones. Según ha señalado estos días en Francia Alain Duault, comisario del Año Chopin en el país vecino pero que acaba de publicar una biografía de Schumann, existen al menos tres razones que explicarían la mayor popularidad del primero sobre el segundo: “Chopin es el apóstol de la melodía, lo que le hace más accesible para el gran público, mientras Schumann explora la armonía, a partir de la cual refleja un universo interior extraordinario”.

Además, a juicio de Duault, “Chopin era un cultivador de las formas breves, como serían en la actualidad las canciones, mientras las obras de Schumann se caracterizan por desarrollos más complejos”. Por último, la producción de Schumann ha quedado en parte cubierta por su personalidad atormentada y “por la locura, lo cual siempre aleja a determinados aficionados”. Y es que en el fondo Schumann “es víctima de una injusticia habitual de la cual conoceremos un nuevo capítulo en 2013: temo que la obra de Wagner sea también menos interpretada que la de Verdi”, concluye Alain Duault.

Por su parte el pianista Eric Le Sage se ha referido a cierta “maldición Schumann” que comenzó muy pronto a conocer: “A los 14 o 15 años ya me decían en las tiendas de discos que su obra no se vendía bien”. El intérprete grabaría no obstante en 2006, con motivo del 150 aniversario de la muerte de Schumann, una integral discográfica de su producción pianística en once volúmenes editados por el sello Alpha, cuyas últimas dos entregas aparecerán los próximos meses de agosto y noviembre. Ese profundo conocimiento de la música de Schumann lleva a Le Sage a asegurar que “es mucho más secreta que la de Chopin, y añadiría incluso que más rica. Exige más atención, pero cuando ésta se ofrece aporta su recompensa”.



Robert Schumann - Sinfonía nº 3 ''Renana'' (1850), 1er mov.
- Orquesta Filarmónica de Viena - Leonard Bernstein

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James Horner - Tema de la BSO de Willow (1988)

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Con un par :D

[Patchouli]

Kinépolis ofrece “Tosca” en directo desde el Carlo Felice de Génova

La empresa Kinépolis retransmitirá mañana jueves en sus salas cinematográficas de Madrid, Valencia y Granada Tosca de Puccini, en directo desde el Teatro Carlo Felice de Génova. La producción cuenta con dirección escénica de Ettore Rondelli y musical de Marco Boemi, integrando el reparto Daniela Dessì (Tosca), Fabio Armiliato (Cavaradossi), Claudio Sgura (Scarpia), Nikolai Bikov (Angelotti) y Armando Gabba (Sagrestano).

Kinépolis ofrecerá hasta el próximo julio varios títulos en proyecciones en alta definición digital y subtitulación en castellano. (...)

Las siguientes retransmisiones serán: María Estuardo de Donizetti, grabada en la Scala (15 de junio) y La Dama de Picas de Chaikovski, con dirección escénica de Gilbert Deflo y musical de Michael Boder, con Emily Magee, Ben Heppner, Ludovic Tézier, Ewa Podlés y Lado Ataneli, en directo desde el Liceu (1 de julio).

Para más información sobre la programación consúltese la web http://www.kinepolis.com



Edgard Varèse - Hiperprisma (1923)
- Real Orquesta del Concertgebouw, Amsterdam - Riccardo Chailly

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[Patchouli]

Las grandes bandas plantan al certamen de Valencia tras la norma que les margina

La reducción de agrupaciones y la reserva de plazas a nacionales y extranjeros sólo permite una valenciana

Por primera vez en décadas, el certamen internacional de bandas de música Ciudad de Valencia no contará con la participación de ninguna de las grandes agrupaciones musicales de la Comunitat Valenciana. Las seis bandas emblemáticas que conforman el conocido como G-6 musical, las de Llíria, Buñol y Cullera, han renunciado este año a solicitar su presencia en la sección de honor del certamen, el de mayor fama de todo el mundo, según ha confirmado la organización del concurso a Levante-EMV. La decisión tiene lugar el mismo año en que el Ayuntamiento de Valencia, organizador del certamen, ha modificado las bases de la convocatoria para reducir de 5 a 3 el máximo de bandas de la sección de honor y, además, limitar la presencia de bandas valencianas a una sola como máximo si se presenta una banda nacional y otra extranjera, como ha ocurrido esta edición.

Al final, las bandas participantes en la máxima categoría serán La Lira de Pozuelo de Alarcón (Madrid), la Banda Sinfónica Vooruit de Harelbeke (Bélgica) y la Santa Cecilia de Guadassuar, la única banda valenciana que concurrirá en la élite del concurso, fijado para el 3 de julio en el Palau de la Música de Valencia. También actuará como banda invitada la Banda Municipal de Valencia.

Quedan fuera, pues, los clásicos que han engrandecido la leyenda de este certamen, nacido en 1886 y que el próximo año cumplirá el 125 aniversario. En todo este tiempo, más de 80 primeros premios han recaído en el G-6 que forman la Primitiva y la Unió Musical de Llíria; el Litro y la Artística de Buñol; y el Ateneu y la Santa Cecilia de Cullera. En cierto modo, la grandeza del concurso, y lo reconoce el propio ayuntamiento en la web del certamen, reside en la rivalidad y el pique entre las bandas participantes, más si cabe cuando son locales. Sin embargo, las nuevas bases lo impiden.

La sociedad más laureada en la historia del certamen de Valencia, la Unió Musical de Llíria, se pronunció ayer en contra del nuevo sistema organizativo por boca de su presidente, Josep Vicent Pedrola, "Evidentemente -asegura Pedrola-, el planteamiento actual del certamen no es el más adecuado para las sociedades musicales valencianas y es muy difícil creerse lo contrario. Si el Ayuntamiento de Valencia busca una relevancia de otro tipo, como aumentar la presencia foránea, pues entonces se comprende. Pero sería bueno que abriera el concurso, como antes, a las bandas de nuestra tierra", dijo.

El ayuntamiento culpa a la crisis
Por su parte, fuentes del Ayuntamiento de Valencia achacaron la ausencia de las grandes bandas valencianas "a la situación de crisis económica". "Un certamen de este tipo les obliga a realizar contrataciones temporales de músicos y esfuerzos especiales", afirman. Además, el ayuntamiento sólo admite parcialmente que la nueva normativa haya podido influir en la renuncia en bloque del G-6. Y no porque las bases hayan descafeinado el concurso, sino porque "ser la única banda valenciana ante una nacional y otra extranjera, obliga a preparar muy bien el certamen para ganar, porque quedar segundo sería para ellos un ridículo", afirman desde la organización del certamen. Sea causa directa o tangencial la nueva normativa, lo cierto es que el G-6 ha plantado a su certamen.



Giacinto Scelsi - Okanagon, para arpa, contrabajo y gong (1968)

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El director de orquesta Pletnev, acusado de violar a un niño en Tailandia

El conocido pianista ruso está en libertad bajo fianza con la prohibición de salir del país. - El fundador de la Orquesta Nacional Rusa ganó un 'grammy' en 2005




El director de orquesta y pianista ruso Mijaíl Pletnev, una conocida figura en la música clásica, ha sido acusado de la violación de un niño de 14 años en Tailandia. Pletnev, de 53 años, fue detenido el lunes por la noche cuando cenaba en un restaurante en Pattaya, un popular centro turístico y un conocido destino de turismo sexual.

El fundador y director artístico de la Orquesta Nacional Rusa, que quedó ayer en libertad bajo una fianza de 300.000 bahts (7.350 euros), se enfrenta a una pena de entre cuatro y 20 años de prisión si es condenado. Pletnev tiene prohibido salir del país sin autorización judicial, y tiene previsto comparecer ante el tribunal el próximo día 19.

"Recibimos un soplo de un tailandés detenido que está implicado en una red de prostitución. Y hemos recibido más información de los padres del niño, del propio niño y de otros testigos", dijo el teniente coronel Omsin Sukkanka, jefe del Centro de protección de niños, jóvenes y menores de Pattaya. La presunta víctima, un niño de 14 años que todavía va al colegio, presentó una denuncia en una ONG local, según Supagon Noja, un miembro de la organización. Según la policía, Pletnev aparece además en fotos comprometedoras con otros menores.

El pianista, ganador de un grammy en 2005 por sus arreglos de la Cenicienta de Prokofiev, ha negado las acusaciones. La portavoz de la Orquesta Nacional Rusa, Svetlana Chaplygina, dijo que Pletnev está en su casa de Tailandia de vacaciones y que está previsto que vuelva al trabajo en breve, para iniciar una gira en Europa. Según su página web, Pletnev dirigirá un concierto el próximo día 12 en Macedonia, y tiene programados otros dos dentro de la Quincena Musical de San Sebastián los próximos días 21 y 22 de agosto.

Pletnev tiene, según la policía, una casa y varios negocios en Pattaya, localidad situada a 150 kilómetros de Bangkok. Una televisión local, Pattaya One, y varias páginas web rusas emitieron imágenes de su detención, y del posterior traslado y registro de su casa. El cónsul ruso en Tailandia, Andreï Dvorniko, aseguró a la agencia rusa RIA Novosti que "no se había descubierto nada sospechoso en el registro".

El Ministerio ruso de Exteriores indicó que el músico tendrá asistencia jurídica consular. "La Embajada rusa en Bangkok está en contacto con él y la policía tailandesa intenta aclarar la situación", declaró ayer el portavoz del ministerio, Andreï Nesterenko, citado por la agencia Interfax. Según Itar-Tass, Pletnev tiene un abogado tailandés y no ha pedido ayuda consular, informa la BBC.

Nacido de una familia de músicos, Pletnev es miembro del consejo asesor del presidente de Rusia, Dmitri Medvédev, en temas culturales, y tiene el título de "artista del pueblo" la más alta condecoración del Estado ruso en el mundo del arte. En 1978, con 21 años, se dio a conocer como pianista al ganar el prestigioso Concurso Chaikovsky. En 1990 fundó la Orquesta Nacional Rusa, cuyas grabaciones, sobre todo de sinfonías de Chaikovski y Rachmaninov, están consideradas por algunos críticos como las mejores de todos los tiempos. <- sí hombre, y qué más...


Si ésto es cierto es una de las mayores decepciones de mi vida, en su momento fue mi pianista en activo preferido. Qué asco.

El director historicista Robert King también fue encarcelado (ni dos años, hay que joderse) por abusos a menores del coro de su agrupación, ahora que lo pienso.

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Ernst Krenek - Sonata para piano nº 3 (1943), movs. 3º y 4º
Glenn Gould, 1958

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Ojo al canturreo marca de la casa (2:55), un dolor de cabeza para los ingenieros de sonido de la época :D

[Patchouli]

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Minimalismo de la línea dura a golpe de maracas. En el estreno un espectador gritó ¡Basta, basta, confesaré! :D En total dura unos 25 minutos.

Personalmente me encanta cómo se va transformando la música a medida que se repite en las obras de Reich, especialmente en ésta:

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Es como una enorme transición a cámara lenta.

[Patchouli]

Sergei Prokofiev - Sonata para piano nº 8 (1944), 3º mov.
Andrei Gavrilov, 1984

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Doy fé de que el clímax final es jodido, jodido... Prokofiev tenía que ser un sádico, cuanto más divertida es su música para piano más difícil es xD

Pero para mí lo mejor, la sección central. Brutal.